Für Deutschland? – AusstellungErinnerung, Demokratie und Zukunft

Alicia Rieke studiert Kunstpädagogik an der Akademie der Bildenden Künste München und der LMU. In ihrer transmedialen Praxis verbindet sie Grafik, Fotografie, Video und Objekt. Ihre Arbeiten beschäftigen sich mit Erinnerungskultur, Sprache sowie gesellschaftlichen und politischen Fragestellungen und untersuchen, wie Geschichten, Symbole und Bilder unsere Wahrnehmung prägen. Sie lebt und arbeitet in München.

• „Trümmerfrauen“ nimmt das Trümmerfrauen-Denkmal in München als Ausgangspunkt – einen Ort, an dem sich Erinnerung, Mythos und politische Deutung überlagern. Der Ziegelstein wird zum Symbol für Wiederaufbau, Protest und historische Verantwortung. Die Installation setzt sich mit Erinnerungskultur, Geschichtsschreibung und der politischen Instrumentalisierung der Vergangenheit auseinander und hinterfragt den Umgang mit historischen Narrativen.

Anna Knöller studierte Szenografie und Medienkunst an der Staatlichen Hochschule für Gestaltung Karlsruhe sowie Bühnenbild an der Akademie der Bildenden Künste München, beide Studiengänge schloss sie mit Diplom ab. In ihrer künstlerischen Forschung untersucht sie performative Strukturen innerhalb juristischer Systeme sowie die Inszenierung von Rechtsprechung als soziale und räumliche Praxis. Sie lebt und arbeitet in München. Ihre Arbeiten wurden unter anderem in Berlin, Mannheim und München gezeigt.

• „Snippets of Silence“ bezieht sich auf den NSU-Prozess (2013–2018) am Oberlandesgericht München, einen der intensivsten medial begleiteten Strafprozesse der deutschen Nachkriegsgeschichte. Ausgangspunkt sind Zeitungsberichte über das Schweigen der Angeklagten Beate Zschäpe, das trotz seines rechtlichen Status zur Projektionsfläche medialer Deutungen wurde. Alle Inhalte werden bis auf das Wort „Schweigen“ geschwärzt. Die entstehenden Balkenmuster werden auf Papierstreifen für eine Drehorgel übertragen und in Klang übersetzt. So wird das medial beschriebene und reproduzierte Schweigen selbst zum hörbaren Bestandteil der Arbeit.
• „Saal 600“ Ausgangspunkt der Arbeit ist der Saal 600 im Oberlandesgericht Nürnberg, Schauplatz der Nürnberger Prozesse. Textile Reliefs rekonstruieren die wechselnden Sitz- und Tischordnungen des Gerichtssaals und stellen ihnen die jeweiligen symbolischen Bezugssysteme – Kaiser, Hitler, Nürnberger Prozesse und Kreuz – gegenüber. Die Arbeit untersucht Sitzordnungen als räumliche Strukturen, die Blickrichtungen, Kommunikationswege, Distanzen und Hierarchien organisieren. So wird der Gerichtssaal als räumliches Diagramm sichtbar, in dem sich Vorstellungen von Recht, Macht und gesellschaftlicher Ordnung bereits in der Architektur einschreiben.

Anvita Jain wuchs in Indien in einer Familie traditioneller Juweliere auf. Geprägt von Diskussionen über Mitgift und finanzielle Investitionen entwickelte sie eine vielschichtige Beziehung zu Schmuck. Mit ihrer Arbeit hinterfragt sie gesellschaftliche und kulturelle Themen. Sie gründete das Forschungsprojekt „Project Bawra“ und vertieft ihre Praxis derzeit im Programm für Schmuck und Geräte an der Akademie der Bildenden Künste München.

• „Ghar’ am Masala“ setzt sich mit der vielschichtigen Erfahrung diasporischer Identität auseinander. Die aus Gewürzen gefertigten Häuser verbinden Erinnerungen an die Herkunft der Künstlerin aus Indien mit ihrem heutigen Lebensmittelpunkt in Deutschland. Der Titel ist ein Wortspiel aus dem Hindi-Wort „ghar“ (Zuhause), „garam masala“ (hot spices) und „am“ bei deutschen Städtenamen. Die Arbeit untersucht das Zuhause als kulturellen und emotionalen Ort und verweist auf die Bedeutung von Gewürzen für Alltag, Rituale und Identität.
• „Transcu(rry)ltural Moves“ ist eine konzeptionelle Arbeit, die mit Curry-Ketchup, Papier und Fotografie arbeitet. Ausgehend von Curry-Ketchup als einer deutschen Erfindung, die auf kolonialen Gewürzimporten basiert, setzt sie sich mit Kulturtransfer, westlichen Projektionen auf die indische Kultur und postmigrantischen Identitäten im öffentlichen Raum auseinander. Die Arbeit nutzt ein alltägliches Konsumprodukt, um transkulturelle Verflechtungen sowie postkoloniale Narrative sichtbar zu machen.

Gina-Marie Bross studiert an der Akademie der Bildenden Künste München. Ihr Interesse gilt Orten, Blicken und Routinen, die sich unserem unmittelbaren Verständnis entziehen und unseren Alltag dennoch prägen. Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen Untersuchung, Dokumentation und Imagination. In der Verdichtung eröffnen sich räumliche und gesellschaftliche Logiken von Macht, Gewalt und Ausschluss sowie die Sehnsucht nach anderen Orten.

• „RAL-6031“ versammelt Fragmente einer Gegenwart, in der Krieg zunehmend Teil des Alltags wird. Als offenes, kollaboratives Archiv folgt die Arbeit den materiellen und ästhetischen Erscheinungsformen dieser Entwicklung. Aus Beobachtungen des öffentlichen Raums untersucht sie, wie politische Rhetorik, mediale Bilder und gesellschaftliche Stimmungen eine Realität hervorbringen, in der militärische Logiken zunehmend selbstverständlich erscheinen.

Jonas Lewek ist Konzept- und Medienkünstler. Er studierte von 2007 bis 2015 bei Eberhard Bosslet an der HfBK Dresden. Im Zentrum seiner Arbeiten stehen gesellschaftliche Themen, neue Technologien und das Kunstsystem. Die Wahl des Mediums ergibt sich aus dem jeweiligen Konzept. Seine Arbeiten wurden in Berlin, Hamburg, Dresden, Manchester, Porto und Yogyakarta gezeigt. Er lebt und arbeitet in München.

• „World Flags“ setzt sich mit Länderflaggen als Ausdruck nationaler Identität und Repräsentation auseinander. Ausgangspunkt der Arbeit sind die Flaggen aller Staaten der Erde, aus denen jeweils zufällig ein einzelnes grafisches Element entnommen wurde. Diese Fragmente wurden anschließend automatisiert zu neuen Flaggen kombiniert. Vor dem Hintergrund des wachsenden Einflusses ultranationalistischer und rechter Ideologien eröffnet die Arbeit die Vision einer Welt, in der Menschen und nicht Staaten im Mittelpunkt stehen.

Lena-K studierte Medienkunst an der Bauhaus-Universität Weimar. Sie lebt und arbeitet in München. Zwischen Malerei, Skulptur, Performance und Video entwickelt sie Arbeiten zu Frausein, Antifaschismus, Erinnerung und gesellschaftlicher Transformation. Sie kuratiert Ausstellungen, gründete das Kollektiv Lotse und ist an der Ausstellung „Für Deutschland?“ maßgeblich beteiligt.

• „Residuum“ setzt sich mit dem Erben von NS-Devotionalien auseinander, ausgehend von sogenannten SS-Ehrenringen. Durch deren Einschmelzen und Transformation in abstrakte Silberformen hinterfragt die Arbeit den Umgang mit historischer Verantwortung und versteht Erinnerung als aktiven gesellschaftlichen Prozess. Eine performative Handlung, die als Video- und Soundinstallation präsentiert wird, verbindet Vergangenheit und Gegenwart und thematisiert die Bedeutung demokratischen Handelns. Die entstandenen Skulpturen werden als abstrakte Erinnerungsobjekte gezeigt.

Natalia Schmidt lebt und arbeitet in München, Berlin und Paris. Sie verbindet Photographie, Film, Skulptur, Musik, Performance und Langzeitrecherche zu einer prozessorientierten Praxis, die den dokumentarischen und ethischen Wert des Bildes neu verhandelt.

• „Frage an Speer: Kann man einen Boden erneuern? (M8x57IS)“  ist Teil des fortlaufenden Projekts „Ammunition Project: A Composition on Invisible Hands“. Ausgehend von einer Archäologie und Genealogie der deutschen Waffen- und Munitionsproduktion sowie des politisch legitimierten Waffenhandels der ehemaligen Deutschen Waffen- und Munitionsfabriken (DWM) setzt sich die Arbeit mit den ethischen Dimensionen und den (neo-)kolonialen Bedingungen von Waffen- und Munitionsproduktion auseinander.

Das Kollektiv Werk70 entstand aus der Zusammenarbeit, dem künstlerischen Austausch und der Freundschaft. Die drei Künstler*innen verarbeiten aktuelle kulturelle und gesellschaftliche Themen mit dem traditionellen Handwerk der Holzbildhauerei sowie mit Animation, Film und Fotografie. Der Diskurs zwischen ihnen ist ein bewusster Bestandteil ihrer gemeinsamen künstlerischen Praxis.

• „Killababy“ ist ein Projekt von Anton Kappla, Franca Klier und Yaroslava Garanda. Die Arbeit lädt dazu ein, den gegenwärtigen Zeitgeist kritisch zu hinterfragen und sich mit den Kriegen unserer Zeit auseinanderzusetzen. Die Künstler*innen plädieren für Frieden und Gerechtigkeit als Grundlage menschlichen Zusammenlebens und stellen die Wirksamkeit von Aufrüstung und Unterdrückung infrage.
  Die drehbare Walze symbolisiert den Kreislauf von Krieg und vermeintlichem Frieden. Der gesellschaftliche Druck wird dabei im wörtlichen wie im übertragenen Sinn erfahrbar. Auch die Wahl des Druckmittels ist bewusst getroffen und macht diesen Zustand physisch erlebbar.